четверг, 6 июня 2019 г.

Макс Эрнст "Царь Эдип"

"Мастер сновидений, самый великий породитель галлюцинаций"- так называют Макса Эрнста (1891 - 1976), одного из наиболее отчаянных экспериментаторов-сюрреалистов XX в.
В основе сюрреалистических работ мир подсознания, снов, бреда, галлюцинаций. Того, что неведомо. Того, что скрыто в глубине.
Картину "Царь Эдип" Макс Эрнст написал в 1922 году.
С начала 20-х гг. появляются первые коллажи художника, которые сам автор называл «почтовыми открытками». Совершенно особая техника коллажа, придуманная им, была основана на «случайной встрече двух различных реальностей на неподходящем плане». По словам Т. Тцары, метод, который изобрел Эрнст, состоял в том, «чтобы наклеить на холст картинки, изначально не имеющие никакой связи между собой, но, совмещенные друг с другом, они в конце концов приобретают какой-то смысл, сходство с чем-то».
Такой, вроде бы несовместимой и непонятной, представляется на первый взгляд и картина "Царь Эдип".
Давайте рассмотрим ее подробнее. Само название сразу же отсылает к учению Фрейда, которым Эрнст, как и многие другие авангардистские художники того времени, был увлечен. Знаменитый фрейдовский эдипов комплекс. Куда же без него?
Вторая прямая отсылка на трагедию Софокла "Царь Эдип", историю царя Фив Эдипа, убийцы отца и мужа матери, жертвы предсказания, невольного виновника страданий. Как своих, так и чужих.
Сам главный герой скрыт за каменной стеной. Видна только рука, высовывающаяся из отверстия. Пальцы пронзены острыми предметами. Боль, невыносимая боль. Но они сжимают орех, пытаясь раскрыть его.
Орех - тайна. Сердцевина сокрыта толстой кожурой. Чтобы раскрыть тайну несчастий Фив, Эдипу необходимо узнать правду.
Орех пронзен стрелой. Правда оказывается больной.
Справа на картине две головы птиц. Но сразу же обращает на себя внимание, что у птиц человеческие глаза. Птицы -люди. Одна из тем, что часто встречается в работах Эрнста.
И причину этого можно найти в детстве художника. Известен следующий факт биографии. Маленький Макс любил птиц. У него дома был любимец попугай (в некоторых источниках говорят, что соловей). И эта любимая птичка умерла как раз в тот самый момент, когда родилась его сестра. Эрнст был уверен, что душа птицы переселилась в сестру.
Не трудно увидеть, что на картине представлены птица - мужчина и птица - женщина. Отец Лай и мать Иокаста, два человека, связанные с предсказанием. Их тела спрятаны в деревянный ящик, лишены возможности двигаться. От их действий ничего не изменится. Все предрешено - судьбы не изменить.
И эти рога на голове птицы - мужчины многозначны. Лай, ставший рогоносцем по вине сына.
Шея птицы - женщины охвачена изогнутым забором. Иокаста - еще одна невольная жертва трагедии. И спрятана за забором, и ничего не видит из-за него.
А вдали, в небе, маленький воздушный шар. Символ полета, символ бегства к свободе. Но как же она, эта свобода, далека и как же мала надежда на нее.

вторник, 4 июня 2019 г.

"Маска, маска, я тебя знаю..."

"Под маской все чины равны,
У маски ни души, ни званья нет.."
М.Лермонтов "Маскарад"
Главный символ Венецианского карнавала маска вначале была просто полезной вещью.
Валентина Кондрашова. Венецианские маски, 2015
Валентина Кондрашова. Венецианские маски, 2015
Маску одевали, когда не хотели быть узнанными. Мужчины прятали лицо под маской, когда посещали злачные места. Женщины - на прогулках с любовниками.
А вот в монастыри заходить в масках запрещалось. Считалось, что этой уловкой пользовались любители молоденьких монашек.
В 1608 году "Совет десяти", орган Венецианской республики, запретил ходить в масках по улице, чтобы предотвратить преступность. Маски разрешалось носить только на карнавале.
На карнавале все были равны. Бедняк мог приударить за богатой дамой, а самая чопорная дама - развлечься как угодно и с кем угодно.

"Старый гитарист" Пабло Пикассо

Одна из характерных работ Пабло Пикассо "голубого периода" картина "Старый гитарист".
Картина создана в 1903-04 годах. Не самый радужный период жизни художника. После недолгой жизни в Париже, где его работы не были достойно приняты, Пикассо возвращается в Барселону. Подавленное состояние художника объясняется и недавней смертью его друга Карлоса Касахемаса.
Картины "голубого периода" наполнены болью и страданием. Не является исключением и картина "Старый гитарист". Пикассо ограничился холодной монохромной синей палитрой. Из цветовой гаммы выпадает лишь гитара, написанная в коричневых тонах. Это единственная точка тепла в картине . Она несет в себе чувство надежды, которое можно найти. Кстати, гитара - один из любимых предметов Пикассо, присутствует во многих его картинах. Не следует этому удивляться. Ведь все-таки Пабло Пикассо - испанец. А гитара для испанцев много что значит.
Согнутый и незрячий человек держит гитару, прижав её к себе. Весь облик старика наполнен болью и страданием. Старик слеп. Увлеченный творчеством символистов, Пикассо часто использовал символы в своих картинах. Слепотой старика он, возможно, хотел сказать о внутреннем, божественном зрении. Что именно оно рождает музыку.
В картине Пикассо изображает страдания не только старика, но и страдание в целом.
Фигура старика непропорциональна - слишком худа, слишком вытянута, слишком угловата. Она чем-то напоминает фигуры людей, которые писал другой великий испанский художник Эль Греко. И тут нет ничего удивительного. Ведь известно, что Эль Греко - один из самых любимых художников Пабло Пикассо. Он изучал творчество этого мастера, специально посещая музей Прадо.
Сейчас картина "Старый гитарист" находится в Институте искусств Чикаго.

понедельник, 3 июня 2019 г.

Неистовые футуристы

Футуризм - художественное течение, зародившееся в 1909 году. Наибольшее развитие получило в Италии. 20 февраля 1909 года итальянский поэт Филиппо Маринетти опубликовал «Манифест футуризма», написанный им специально для молодых итальянских художников.

Футуристы определили себя как анти-романтиков, и они хотели следовать своим собственным настроениям. "Разрушить старое, создать новое", - самый важный тезис футуристов. Ведь само название течения происходит от латинского слова " futurum", что в переводе означает "будущее".

Одним из ярких представителей футуризма в Италии был Умберто Боччони (1886-1916).

Некоторое время он изучал импрессионизм и постимпрессионизм в Париже. Но, вернувшись в Италию, с энтузиазмом принял идеи Маринетти.

Картину "Город встает" принято считать первой футуристической картиной Боччони.


Умберто Боччони "Город встает", 1910

На картине видны силуэты строящегося города, весь передний план заполнен изображением ломовых лошадей и погонщиков. Реальные кони превращены в сказочные мифологические существа, уподоблены рассыпающемуся огненными искрами вихрю. Художник изображает не просто движущийся объект, но как бы само движение, вернее, поток энергии (он изобрел даже специальные термины: сило-линии и сило-формы), в котором творящее, созидательное начало неотделимо от разрушительного. Его кони в своем полете несут гибель погонщикам...

Уже в этой первой картине Боччони четко определяет свой интерес в искусстве - изображать средствами живописи движение.

Полна движения и другая картина художника - "Мятеж в галерее"


Умберто Боччони "Мятеж в галерее", 1910

Картина невероятно интересна. Во-первых, она имеет занимательный сюжет. На ней изображена сцена в одной из торговых галерей. Две дамы, скажем так, не совсем порядочные устроили потасовку. Видимо, не поделили место работы. Вокруг много народу, который в порыве устремляется к дерущимся дамам. То ли разнять, то ли просто посмотреть. Вся картина наполнена движением.

Во-вторых, интересно само исполнение картины. В ней чувствуется влияние пуантализма, которым был увлечен Боччони.

А в-третьих, на этой картине чуть ли не впервые в качестве освещения используются электрические лампочки, которые как раз в это время входили в употребление.

Умберто Боччони - городской художник. В большинстве его картин одним из действующих лиц выступает город.


Умберто Боччони "Улица входит в дом", 1911

На этой картине явно видно влияние кубизма. С кубизмом ее объединяет то, что в этой картине Боччони отказывается от перспектива. Грани между пространствами стерты. Все происходит здесь и сейчас. В одном целом и одновременно. Улица словно зажата между домами, которые наваливаются на нее.

В центре картины нарисованная со спины женщина в белой кофте. Она стоит на балконе и смотрит вниз, на улицу, где кипит жизнь . Некоторые исследователи творчества Боччони говорят, что на балконе стоит его мать.

Вторым ярким представителем итальянского футуризма является Джакомо Балла (1871–1958).

Первой футуристической картиной художника стала картина !Уличный фонарь".


Джакомо Балла "Уличный фонарь", 1910-11

Полотно это, надо сказать, в человеческий рост высотой. И, казалось, посвящено такому незначительному предмету - уличному фонарю. Но нельзя забывать, что на картине изображен электрический фонарь. Новшество тех лет.

К тому же, она была своеобразной иллюстрацией к манифесту Маринетти под необычным наименованием «Убьем лунный свет!».

На картине как раз видно, как свет фонаря гасит свет луны, находящейся в верхнем правом углу.

Это был первый опыт работы Балла в технике симультанности (одновременности). Художник хотел с помощью красок передать последовательность фаз движения какого-либо объекта.


Джакомо Балла "Динамизм собаки на поводке", 1912

На этой картине еще больше видно движение. Все-таки невероятно сложно подобное совмещение различных моментов на плоскости.

Балла в дальнейшем продолжил свои эксперименты в технике симультанности . Вот как он изобразил картинку из окна.


Джакомо Балла "Полет ласточек", 1913

Если в этой картине еще можно разглядеть сюжет (окно, летящие птицы), то постепенно картины Балла становятся все больше и больше абстрактными.


Джакомо Балла "Разгоняющаяся машина", 1912

Его уже совершенно не интересует предмет. Главное передать движение.

Но и его этого Баллу оказалась недостаточно. Он вступил на другую ступень - попытался передать и звук.


Джакомо Балла "Абстрактная скорость плюс звук", 1913-14

Картине уже тесно на полотне. Она вырывается за его пределы, переходит на рамку. Это один из самых первых экспериментов такого типа.

Считается, что эпоха футуризма закончилась в конце 1920-х годов. Но некоторые художники продолжали писать свои картины в этом стиле вплоть до Второй мировой войны.