Ах, эти женщины Амфисы!

Картину "Женщины Амфисы" британский художник Лоуренс Альма-Тадема написал в 1887 году. Но рассказывает она о событии, происшедшем в 4 веке до нашей эры.

Лоуренс Альма-Тадема. Женщины Амфисы, 1887

В те времена Амфиса была столицей ежегодного праздника в честь бога Вакха. Эти празднества назывались вакханалиями и сопровождались буйным разгулом.

После одного из таких праздников девушки, участвовавшие в нем, в беспамятстве забрели в город Амфиса, что встретился на их пути.

А надо сказать, что в то время Амфис был захвачен армией фокийцев. Вакханки даже не подозревали, какие неприятности с ними могут совершить солдаты, оторванные от дома и жен. Да они и думать об этом не могли, находясь под действием напитка Вакха. Упав, обессиленные от танцев и возлияний, на площади города, они просто уснули.

А поутру они проснулись. Этот момент и изобразил художник на своей картине. Кто-то из вакханок еще спит, кто-то недоуменно оглядывается, не понимая, где находится.

Они молоды и прекрасны. Но не они главные на картине, а группа женщин, что стоит за ними.

Это женщины Амфисы. Они отстояли рядом со спящими вакханками всю ночь, охраняя девушек от воинов враждебной армии.

Но они не только охраняли беззащитных во сне девушек. Женщины и оказывают им помощь. Предлагают еду.

Утешают и поддерживают.

Девушки-вакханки могут быть спокойны. Они под защитой женщин Амфисы, которые стоят плотным строем, как колонны городского здания.

А, значит, девушки и под защитой города.

Правда, некоторые искусствоведы трактуют эту картину иначе. Они утверждают, что женщины Амфисы защищают не вакханок, а своих мужей от красавиц. А еду подносят для того, чтобы девицы поскорее убрались из их города. Подальше.

В любом случае, картина замечательная! Светлая, воздушная, детально прописанная. Рассматривать её можно долго. И придумывать свою историю.

Прекрасная Хрисеида - невольная жертва войны

Война - мужское дело. Но иногда втянутыми в неё оказываются женщины. Причём, чаще всего, не по своей воле.

Сегодняшний рассказ о Хрисеиде, которая невольно стала жертвой Троянской войны. Из-за того, что была слишком красивой. Вот как описывает её Иоанн Цецес, византийский филолог, комментатор античных авторов: "... очень молодая и худая, с молочной кожей; у нее были светлые волосы и маленькая грудь; ей девятнадцать лет и она все еще девственница"

Эдвард Джон Пойнтер. Хрисеида, 1888

Она - дочь жреца бога Аполлона — Хриса. Отсюда её и имя. На самом деле, говорят древнегреческие исследователи Гомера, настоящее имя девушки - Астинома. Но, благодаря "Илиаде" Гомера, в истории она осталась Хрисеидой.

В один несчастливый для Хрисеиды день отправил её отец на праздник Артемиды в Фивы. Хотел, наверное, чтобы дочь развлеклась и повеселилась.

Но была там захвачена в плен Ахиллесом и была отдана им Агамемнону, царю Микен в качестве военного приза. У Агамемнона возникло к ней серьёзное чувство. Он даже собирался расторгнуть брак с законной (и старой) женой Клитемнестрой, ради молодой возлюбленной. Но что-то его остановило.

Отец девушки Хрис узнал о пленении дочери и отправился в лагерь Агамемнона. Там он умолял царя вернуть ему дочь. Но Агамемнон, влюбленный в неё, даже не подумал. Он просто приказал выставить Хриса из лагеря.

Якопо Алессандро Кальви. Хрис тщетно просит о возвращении дочери перед шатром Агамемнона, 18 в.

В горе бросился Хрис в храм и обратился к Аполлону с просьбой отомстить за него. Видимо, Хрис был хорошим служителем. Потому что Аполлон откликнулся на просьбу своего жреца.

Якопо Алессандро Кальви. Хрис взывает к Аполлону о мщении, 18 в.

Аполлон в темноте ночи прошел через лагерь ахейцев и, выпустив свои стрелы, обрушил чуму на них. Армия была, таким образом, истреблена болезнью. 

Испугался Агамемнон, призвал Кальхаса, ахейского провидца. Тот поведал, что спасти армию может только возвращение Хрисеиды отцу.

Не такой совет хотел услышать Агамемнон, не хотел он возвращать прекрасную наложницу. Но против воли богов не пойдешь.

Вернуть Хрисеиду отцу было поручено Одиссею.

Клод Лоррен. Одиссей возвращает Хрисеиду отцу, 1648

С радостью бросилась Хрисеида к отцу. Заплакал от счастья Хрис.

Хрисеида вернулась к отцу, открытка 1901 года из Британского музея

Бенджамин Уэст. Хрисеида вернулась к отцу, ок. 1771

Хотя Гомер об этом не рассказывает, но другие авторы сообщают, что в момент возвращения домой Хрисеида была беременна. Через положенный срок родила она сына, которого назвала в честь деда Хрисом.

Читаем картину. "Золотое руно" Герберта Джеймса Дрейпера

Картину "Золотое Руно" Герберт Джеймс Дрейпер, английский художник викторианской эпохи, написал в 1904 году.

Герберт Джеймс Дрейпер. Золотое руно, 1904

Дрейпер любил мифологические темы. Поэтому нет ничего удивительного, что это полотно он посвятил одному из самых известных древнегреческих мифов - мифу об аргонавтах и их походе за Золотым Руном.

Правда, в качестве сюжета картины, он взял не самый популярный эпизод мифа. Аргонавты уже завершили свои дела в Колхиде. Золотое руно похищено и доставлено на славный корабль "Арго".

Руно, сверкающее золотом, прикреплено к мачте судна.

Фрагмент картины

Рядом с ним в золотом шлеме Ясон, организатор похода и предводитель славных аргонавтов.

Фрагмент картины

Вроде бы все трудности позади, вроде бы намеченное выполнено, но на лице Ясона не видно радости.

А все потому, что царь Колхиды Ээт, от которого аргонавты и умыкнули Золотое Руно, пустился в погоню.

Фрагмент картины

Корабли Ээта, с раздутыми ветром парусами, вот-вот догонят "Арго". И понятно, что закончится это для аргонавтов плачевно. Ведь Ээт безмерно зол.

Мало того, что аргонавты, во главе с Ясоном, украли Золотое Руно, являющееся магическим гарантом благоденствия Колхиды, но и увезли с собой и дочь Ээта. Красавицу Медею, влюбившуюся без памяти в Ясона. А вместе с ней отправился с аргонавтами и сын Ээта Апсирт.

Так что была причина у царя Колхиды для злости. Из-за этих нежданных пришельцев из-за моря Ээт потерял и Золотое Руно, и дочь, и наследника.

Хотя аргонавты изо всех сил налегают на весла, но они уже понимают, что им не спастись.

Фрагмент картины

Тогда на помощь аргонавтам приходит Медея, красавица, умница и волшебница, которая ради любви к Ясону бросила и отца, и родину.

Фрагмент картины

Медея приказала схватить ее брата Апсирта, разрубить его на куски и выбросить куски в море. Причем, первой отправить в воду голову. Чтобы отец сразу же узнал, чьи останки плавают в море.

Даже аргонавты, смелые воины, закаленные в битвах, презирающие опасность, содрогнулись от приказа Медеи. Но, ради спасения своих жизней, схватили мальчика, готовые через мгновение убить его. Плач мальчишки, мольбы его о помиловании никого не остановили.

Фрагмент картины

В дальнейшем все произошло, как и предсказывала Медея. Ээт остановил свои корабли, приказал собрать останки сына и вернуться домой, чтобы похоронить Апсирта.

Аргонавты, благодаря страшному поступку Медеи, были спасены.

Правда, это спасение не принесло счастья Медее. Но это уже другая история.

Макс Эрнст "Царь Эдип"

"Мастер сновидений, самый великий породитель галлюцинаций"- так называют Макса Эрнста (1891 - 1976), одного из наиболее отчаянных экспериментаторов-сюрреалистов XX в.

В основе сюрреалистических работ мир подсознания, снов, бреда, галлюцинаций. Того, что неведомо. Того, что скрыто в глубине.

Картину "Царь Эдип" Макс Эрнст написал в 1922 году.

С начала 20-х гг. появляются первые коллажи художника, которые сам автор называл «почтовыми открытками». Совершенно особая техника коллажа, придуманная им, была основана на «случайной встрече двух различных реальностей на неподходящем плане». По словам Т. Тцары, метод, который изобрел Эрнст, состоял в том, «чтобы наклеить на холст картинки, изначально не имеющие никакой связи между собой, но, совмещенные друг с другом, они в конце концов приобретают какой-то смысл, сходство с чем-то».

Такой, вроде бы несовместимой и непонятной, представляется на первый взгляд и картина "Царь Эдип".

Давайте рассмотрим ее подробнее. Само название сразу же отсылает к учению Фрейда, которым Эрнст, как и многие другие авангардистские художники того времени, был увлечен. Знаменитый фрейдовский эдипов комплекс. Куда же без него?

Вторая прямая отсылка на трагедию Софокла "Царь Эдип", историю царя Фив Эдипа, убийцы отца и мужа матери, жертвы предсказания, невольного виновника страданий. Как своих, так и чужих.

Сам главный герой скрыт за каменной стеной. Видна только рука, высовывающаяся из отверстия. Пальцы пронзены острыми предметами. Боль, невыносимая боль. Но они сжимают орех, пытаясь раскрыть его.

Орех - тайна. Сердцевина сокрыта толстой кожурой. Чтобы раскрыть тайну несчастий Фив, Эдипу необходимо узнать правду.

Орех пронзен стрелой. Правда оказывается больной.

Справа на картине две головы птиц. Но сразу же обращает на себя внимание, что у птиц человеческие глаза. Птицы -люди. Одна из тем, что часто встречается в работах Эрнста.

И причину этого можно найти в детстве художника. Известен следующий факт биографии. Маленький Макс любил птиц. У него дома был любимец попугай (в некоторых источниках говорят, что соловей). И эта любимая птичка умерла как раз в тот самый момент, когда родилась его сестра. Эрнст был уверен, что душа птицы переселилась в сестру.

Не трудно увидеть, что на картине представлены птица - мужчина и птица - женщина. Отец Лай и мать Иокаста, два человека, связанные с предсказанием. Их тела спрятаны в деревянный ящик, лишены возможности двигаться. От их действий ничего не изменится. Все предрешено - судьбы не изменить.

И эти рога на голове птицы - мужчины многозначны. Лай, ставший рогоносцем по вине сына.

Шея птицы - женщины охвачена изогнутым забором. Иокаста - еще одна невольная жертва трагедии. И спрятана за забором, и ничего не видит из-за него.

А вдали, в небе, маленький воздушный шар. Символ полета, символ бегства к свободе. Но как же она, эта свобода, далека и как же мала надежда на нее.

"Маска, маска, я тебя знаю..."

"Под маской все чины равны,
У маски ни души, ни званья нет.."

М.Лермонтов "Маскарад"

Главный символ Венецианского карнавала маска вначале была просто полезной вещью.

Валентина Кондрашова. Венецианские маски, 2015

Маску одевали, когда не хотели быть узнанными. Мужчины прятали лицо под маской, когда посещали злачные места. Женщины - на прогулках с любовниками.

А вот в монастыри заходить в масках запрещалось. Считалось, что этой уловкой пользовались любители молоденьких монашек.

В 1608 году "Совет десяти", орган Венецианской республики, запретил ходить в масках по улице, чтобы предотвратить преступность. Маски разрешалось носить только на карнавале.

На карнавале все были равны. Бедняк мог приударить за богатой дамой, а самая чопорная дама - развлечься как угодно и с кем угодно.

"Старый гитарист" Пабло Пикассо

Одна из характерных работ Пабло Пикассо "голубого периода" картина "Старый гитарист".

Картина создана в 1903-04 годах. Не самый радужный период жизни художника. После недолгой жизни в Париже, где его работы не были достойно приняты, Пикассо возвращается в Барселону. Подавленное состояние художника объясняется и недавней смертью его друга Карлоса Касахемаса.

Картины "голубого периода" наполнены болью и страданием. Не является исключением и картина "Старый гитарист". Пикассо ограничился холодной монохромной синей палитрой. Из цветовой гаммы выпадает лишь гитара, написанная в коричневых тонах. Это единственная точка тепла в картине . Она несет в себе чувство надежды, которое можно найти. Кстати, гитара - один из любимых предметов Пикассо, присутствует во многих его картинах. Не следует этому удивляться. Ведь все-таки Пабло Пикассо - испанец. А гитара для испанцев много что значит.

Согнутый и незрячий человек держит гитару, прижав её к себе. Весь облик старика наполнен болью и страданием. Старик слеп. Увлеченный творчеством символистов, Пикассо часто использовал символы в своих картинах. Слепотой старика он, возможно, хотел сказать о внутреннем, божественном зрении. Что именно оно рождает музыку.

В картине Пикассо изображает страдания не только старика, но и страдание в целом.

Фигура старика непропорциональна - слишком худа, слишком вытянута, слишком угловата. Она чем-то напоминает фигуры людей, которые писал другой великий испанский художник Эль Греко. И тут нет ничего удивительного. Ведь известно, что Эль Греко - один из самых любимых художников Пабло Пикассо. Он изучал творчество этого мастера, специально посещая музей Прадо.

Сейчас картина "Старый гитарист" находится в Институте искусств Чикаго.

Неистовые футуристы

Футуризм - художественное течение, зародившееся в 1909 году. Наибольшее развитие получило в Италии. 20 февраля 1909 года итальянский поэт Филиппо Маринетти опубликовал «Манифест футуризма», написанный им специально для молодых итальянских художников.

Футуристы определили себя как анти-романтиков, и они хотели следовать своим собственным настроениям. "Разрушить старое, создать новое", - самый важный тезис футуристов. Ведь само название течения происходит от латинского слова " futurum", что в переводе означает "будущее".

Одним из ярких представителей футуризма в Италии был Умберто Боччони (1886-1916).

Некоторое время он изучал импрессионизм и постимпрессионизм в Париже. Но, вернувшись в Италию, с энтузиазмом принял идеи Маринетти.

Картину "Город встает" принято считать первой футуристической картиной Боччони.

Умберто Боччони "Город встает", 1910

На картине видны силуэты строящегося города, весь передний план заполнен изображением ломовых лошадей и погонщиков. Реальные кони превращены в сказочные мифологические существа, уподоблены рассыпающемуся огненными искрами вихрю. Художник изображает не просто движущийся объект, но как бы само движение, вернее, поток энергии (он изобрел даже специальные термины: сило-линии и сило-формы), в котором творящее, созидательное начало неотделимо от разрушительного. Его кони в своем полете несут гибель погонщикам...

Уже в этой первой картине Боччони четко определяет свой интерес в искусстве - изображать средствами живописи движение.

Полна движения и другая картина художника - "Мятеж в галерее"


Умберто Боччони "Мятеж в галерее", 1910

Картина невероятно интересна. Во-первых, она имеет занимательный сюжет. На ней изображена сцена в одной из торговых галерей. Две дамы, скажем так, не совсем порядочные устроили потасовку. Видимо, не поделили место работы. Вокруг много народу, который в порыве устремляется к дерущимся дамам. То ли разнять, то ли просто посмотреть. Вся картина наполнена движением.

Во-вторых, интересно само исполнение картины. В ней чувствуется влияние пуантализма, которым был увлечен Боччони.

А в-третьих, на этой картине чуть ли не впервые в качестве освещения используются электрические лампочки, которые как раз в это время входили в употребление.

Умберто Боччони - городской художник. В большинстве его картин одним из действующих лиц выступает город.


Умберто Боччони "Улица входит в дом", 1911

На этой картине явно видно влияние кубизма. С кубизмом ее объединяет то, что в этой картине Боччони отказывается от перспектива. Грани между пространствами стерты. Все происходит здесь и сейчас. В одном целом и одновременно. Улица словно зажата между домами, которые наваливаются на нее.

В центре картины нарисованная со спины женщина в белой кофте. Она стоит на балконе и смотрит вниз, на улицу, где кипит жизнь . Некоторые исследователи творчества Боччони говорят, что на балконе стоит его мать.

Вторым ярким представителем итальянского футуризма является Джакомо Балла (1871–1958).

Первой футуристической картиной художника стала картина !Уличный фонарь".


Джакомо Балла "Уличный фонарь", 1910-11

Полотно это, надо сказать, в человеческий рост высотой. И, казалось, посвящено такому незначительному предмету - уличному фонарю. Но нельзя забывать, что на картине изображен электрический фонарь. Новшество тех лет.

К тому же, она была своеобразной иллюстрацией к манифесту Маринетти под необычным наименованием «Убьем лунный свет!».

На картине как раз видно, как свет фонаря гасит свет луны, находящейся в верхнем правом углу.

Это был первый опыт работы Балла в технике симультанности (одновременности). Художник хотел с помощью красок передать последовательность фаз движения какого-либо объекта.


Джакомо Балла "Динамизм собаки на поводке", 1912

На этой картине еще больше видно движение. Все-таки невероятно сложно подобное совмещение различных моментов на плоскости.

Балла в дальнейшем продолжил свои эксперименты в технике симультанности . Вот как он изобразил картинку из окна.


Джакомо Балла "Полет ласточек", 1913

Если в этой картине еще можно разглядеть сюжет (окно, летящие птицы), то постепенно картины Балла становятся все больше и больше абстрактными.


Джакомо Балла "Разгоняющаяся машина", 1912

Его уже совершенно не интересует предмет. Главное передать движение.

Но и его этого Баллу оказалась недостаточно. Он вступил на другую ступень - попытался передать и звук.


Джакомо Балла "Абстрактная скорость плюс звук", 1913-14

Картине уже тесно на полотне. Она вырывается за его пределы, переходит на рамку. Это один из самых первых экспериментов такого типа.

Считается, что эпоха футуризма закончилась в конце 1920-х годов. Но некоторые художники продолжали писать свои картины в этом стиле вплоть до Второй мировой войны.